El pensamiento fotográfico de Mauricio Donelli:
Detrás del lente de un maestro contemporáneo
A menudo me encuentro con la tarea de discernir entre aquellos que simplemente registran el mundo y quienes, por el contrario, lo renuevan desde sus cimientos formales. La trayectoria de Mauricio Donelli, ya acumula cuatro décadas, signadas por una precoz formación fotográfica que desde hace rato ha alcanzado su madurez estética, su trabajo se presenta ante nosotros no como una simple acumulación de encargos, sino como un viaje desde las entrañas del oficio que, con el tiempo ha dado forma a un lenguaje visual propio. Su trabajo es producto de un proceso de investigación constante sobre la estética del relato fotográfico, el valor de las variantes técnicas y la poética de lo que decide mostrar u ocultar.
Para comprender el desarrollo de su extenso corpus, es indispensable dejar de lado la cronología lineal y adentrarnos en las fuerzas estéticas que configuran su mirada: una tensión constante entre el rigor de la vieja escuela de la plata y la libertad expresiva de la era digital.
La escuela de la penumbra: El límite como disciplina visual
El ojo de Donelli no se formó en la abundancia de la inmediatez contemporánea; tuvo sus inicios en el foto estudio de sus tíos maternos en Coro (Foto Film, Foto Artística), en tiempos donde la fotografía era un oficio de precisión implacable. En aquellas casonas adaptadas con laboratorios y cámaras de fuelle, el joven aprendiz asimiló una regla inquebrantable: cada disparo representa un gasto y, por ende, exige premeditación.
Esta restricción material fomentó la disciplina de la paciencia. El fotógrafo analógico no disparaba para ver qué pasaba; encuadraba y construía la imagen mentalmente antes de presionar el obturador. A esto se sumaba la exigencia técnica de dominar el enfoque exacto, buscando aquel sutil difuminado que beneficiaba la textura de la piel en el retrato. Al realizar desde fotografía social hasta documental y funeraria, sus tíos le enseñaron una ética versátil y la importancia de la organización como andamiaje para vivir de la profesión.
Este dominio del control de la luz y la alquimia de los haluros, dotó a Donelli de un «ojo analógico» que sobrevive como estrategia cognitiva, permitiéndole anticipar el plano y entender la luz no como un accidente, haciendo evidente en su producción que la considera una materia moldeable. Su formación se nutrió tanto de la experiencia familiar como del paso por talleres con referentes fundamentales. En Caracas se formó con Soledad López, Mariano Tobar y Rafael Salvatore (quien lo introdujo en el manejo de la cámara técnica de formato 4×5). Más adelante, realizó estancias breves en el ICP de Nueva York, donde cursó estudios con Ralph Gibson, y en París con Jeanloup Sieff, también fue parte de la movida cultural venezolana siendo asistente ávido a las charlas de figuras capitales como Luis Brito, Paolo Gasparini y Ricardo Armas.
La disidencia del encuadre: La «decapitación» como firma formal
Cuando Donelli comenzó a destacar en el circuito de la fotografía social y artística, lo hizo quebrando el molde de la rigidez tradicional. Sus primeros trabajos con luz natural en los médanos de Coro ya revelaban una mirada disidente: encuadres asimétricos que desafiaban la composición convencional, aquellas pequeñas transgresiones, calificadas por los cánones más conservadores como «cortar cabezas» o una «decapitación» visual, representaban para los espíritus jóvenes una liberación estética.
Cortar el margen significaba priorizar el movimiento, la atmósfera y el misterio sobre la mera descripción fisonómica. Al descentrar al sujeto, Donelli obligaba al espectador a completar la escena, transformando el retrato en una experiencia participativa que rompió la hegemonía de los grandes estudios tradicionales en Caracas.
El réquiem de la plata y la persistencia de la mirada
La transición de Donelli hacia lo digital ilustra la evolución tecnológica del medio. Durante sus primeros veinte años, su práctica estuvo gobernada por la química: placas de 4×5, retoque manual de negativos y revelado de fibra. Cuando emergió la tecnología digital a comienzos de siglo, la rechazó inicialmente debido a la precaria resolución de los primeros sensores, operando durante un tiempo con una dinámica dual.
La ruptura definitiva ocurrió en Nueva York, tras documentar un evento de altísima reserva con más de cien rollos de formato 120, entregó su material al Lexington Lab. Al regresar, en vez de hojas de contacto, el laboratorio le entregó un disco compacto con los archivos escaneados, aquel episodio selló el fin de una era: si el destino final era la desmaterialización digital, el costo de la película perdía sentido práctico. Sin embargo, la pérdida del soporte físico no implicó la renuncia al rigor; su mirada digital sigue operando bajo los principios del ojo analógico, preservando la sobriedad y la supresión del exceso.
Entre la estética y lo místico
Quizás el desarrollo conceptual más audaz de Donelli es su fascinación por el reverso del sujeto, que ya explora desde los tiempos en que hacia sus primeros trabajos de sociales, donde el ritual de la novia vistiéndose antes de ir al altar siempre se registraba de espaldas, generando un discurso visual que maduró en su aclamada serie sobre el Dr. José Gregorio Hernández. El origen de esta seria tuvo tintes cinematográficos, estuvo enmarcado por un incidente dramático: tras adquirir una gran figura de yeso del venerable en Paraguaná, Donelli abordó un vuelo donde la estatua viajó apoyada en sus piernas, dando la espalda al resto de los pasajeros. En pleno vuelo, la aeronave entró en barrena en un descenso abrupto; guiado por un reflejo instintivo, Donelli sacó su cámara para capturar el pánico con un lente gran angular.
Al revelar el material, la figura del santo emergió dominando la cabina inclinada, aunque el vuelo aterrizó a salvo, los pasajeros acariciaron la imagen al descender, agradeciendo el favor concedido. Meses más tarde, al intentar fotografiar la estatua de frente bajo los cocoteros de Morrocoy, el resultado le pareció estéril, una simple postal sin alma, fue la memoria de aquella foto del avión la que le reveló el secreto: el poder simbólico residía en la imagen del santo dando la espalda al espectador, así terminó por retratar al venerable siempre de espaldas en paisajes venezolanos, Donelli eludió el cliché iconográfico e invitó al espectador a caminar detrás de la figura, transformándola en una metáfora del viaje interior.
Museografía del sinfín y dimensión existencial
La coherencia de su obra se extiende al espacio expositivo. En su muestra Ojo por Ojo, concebida junto a la diseñadora Gisela Viloria para el espacio Ricardo Jiménez de la escuela Roberto Mata, el artista desafió el enmarcado tradicional. Para sortear limitaciones espaciales, imprimieron retratos en Polaroid sobre un rollo continuo de papel bond impermeable suspendido desde el techo, simulando un sinfín de estudio y convirtiendo la sala en una instalación viva. Donelli describe la fotografía como la capacidad de «hablar otro idioma» ligado a su propia perspectiva del mundo. Es un proceso casi místico donde el tiempo se suspende y el artista deposita una chispa de energía vital que se transmite al espectador.
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Prof. José Ramón Briceño Diwan
Notas Fotográficas
Caracas D.C. Venezuela
Septiembre 2026
