Armando Celestino Zullo Hidalgo, (AZH)
Nacido en caracas, egresado de la “Cristóbal Rojas” y de la “UNEARTE”; estudió “Iniciación al Espacio Escénico” en El Instituto De Arte Del «Teatro Colón» de Buenos Aires, Argentina; realizó estudios de diseño escenográfico en el Sinternatinalc Sommerakademic fur Bildende Kunst en Salzburgo (Austria) con el maestro alemán Gunther Schncider Sicmsscn actualmente estudia filosofía en la “Universidad Central de Venezuela”
Con dos premios “Municipales” por mejor escenografía en Teatro (Marat-Sade de Peter Weiss) y Danza (La cantata Criolla del maestro Estebes). 2009, y la condecoración al merito al trabajo en tercera clase. Mención especial en el Premio “Orden Armando Reverón” 2011.
¿Cómo empezó en trabajar con la cultura, como artista o escritor?
-Para mediados de los años ochenta comencé a trabajar como pintor escénico del teatro “Teresa Carreño” lo que me permitió desarrollar una carrera en esa área, termine trabajando para casi todas las compañías de teatro, danza y ballet, que hacían vida artística en la ciudad, que si se quiere, para entonces era un numero muy significativo y atractivo de agrupaciones para una metrópolis como la nuestra. Conocí mucha gente, no solo actores, directores, coreógrafos y técnicos, sino también varios artistas plásticos que practicaban también la escenografía como oficio, lo cual me hizo pensar que debía exigirme un tanto mas para mejorar en lo que hacia, con ese propósito, para finales de esa década comencé a estudiar en el Instituto de arte “Federico Brandt”. luego allí me tope con la ventura de relacionarme con varios artistas plásticos que terminaron por hacerme entender que debía formalizar estudios en el arte y que de esa manera también podría trabajar para mi, es decir, en la escenografía debía seguir las pautas tanto del director de escena como de otros artistas, mientras que en la plástica solo debía seguir las mías. Y desde entonces no he detenido mi inclinación por la investigación de aquello lo que me parece que debería estar incluido en mi trabajo.
¿En qué momento nace esa vocación y por qué?
-Desde muy pequeño pasaba mucho tiempo solo, luego para entretenerme creaba mi propio mundo imaginario, dibujaba muchísimo, hacia
historietas cómicas con monstruos extra terrestres, cuando se agotaba el papel y/o la inspiración, dibuja en el piso del cuarto con tiza de colores, avenidas y autopistas, los zapatos eran los vehículos que estacionaba frente a edificios construidos con cajas de cartón que coloreaba con mucho cuidado, los juguetes tradicionales no me duraban nada, los desarmaba para ver como eran por dentro y no podía ensamblarlos de nuevo así que los dejaba a un lado. Decoraba por completo la ciudad que había creado y cuando me fastidiaba de ellas, entraba en juego toda aquella carga bélica que se veía en las películas de guerra de entonces, creaba bandos diferentes y los confrontaba entre si, las batallas cada vez se fueron haciendo mas técnicas y peligrosas, en una oportunidad me idee un lanza llamas con un frasco de alcohol, el bando de los buenos según mi maniqueo cerebro era el que contaba con tal tecnología. Encendía un fosforo y apretando el envase de plástico generaba la llama que lanzaba sobre los soldaditos de plástico, las formas que generaba el material derritiéndose me embelesaba, me abstraía de tal manera que toda mi atención se centraba en ellas (las formas se convertían nuevamente en materia, no entendía tal significado, solo alucinaba con las nuevas formas), pero un día, una de mis hermanas se incluyo en el juego y sin poderme percatar con uno de los soldaditos de plástico se hizo una quemadura grave en una de sus piernas, fue terrible la experiencia y creo que desde entonces nació mi fobia hacia todos los uniformes incluyendo bragas y batas, afortunadamente es una de las pocas que aún en mi persisten como la acrofobia, luego entonces, carreras como las de: mecánico, enfermero, policía, militar, o sacerdote quedaban fuera de mis posibilidades futuras. Se me aparto de todo aquello que pudiera generar peligro incluyendo pelotas de beisbol y futbol y se me dejó solo a la mano papel, lápiz y creyones, algunos cuento y ciertos discos. Lo que me permitió desarrollar algo de habilidad para el dibujo. A finales de la educación primaria era el encargado de hacer los dibujos en el pizarrón para las clases de historia y ciencias, desarrollaba la decoración de la cartelera para: el día de la madre, carnavales, navidad, día del árbol en fin cualquiera que fuera el tema el trabajo era mío. Todo eso quedo dormido, durante la época del bachillerato, los matiné, las riñas, el cine y las muchachas tomaron toda mi atención, sin embargo, el tiempo invertido con los creyones y guaches no fue en vano, habían generado en mi un exagerado gusto particular por la forma de vestirme, la cual compartía con otros amigos, generándome algunos ingreso destinados para el esparcimiento. Invertía días enteros en prepara el atuendo que llevaría el viernes o sábado por la noche, y así anduve un tiempo sin saber que haría conmigo y mi vida, empapado en sudor y deprimido “creo”, de cuando en cuando en medio de las pistas de: El Leopardo, La Sin Nombre, El Studio 84, La Number One, El Ice Palace, entre tantas otras que no puedo recordar seguro a causa de la “depre de entonces”. Un poco mas adelante, cuando en mis tempranos veinte, en el Teatro Teresa Carreño se solicito voluntarios para asistir a una artista norteamericana invitada a pintar la escenografía que era también de su autoría, me anote de primero en la lista y lo demás es historia.
¿Qué ha sido lo más satisfactorio de su trabajo?
-Definitivamente la reacción del publico, no hay nada mas emocionante en lo profesional como el aplauso, en las artes escénica esta reacción es de inmediata y el publico de nuestro país es honesto, transparente y muy generoso en cuanto a lo que se refiere a este sentido, por ejemplo, en varias ocasiones, en el momento de abrirse el telón y sin antes haber hecho su aparición el actor “entendiendo al termino actor en su sentido mas amplio, esto es, Bailarín, Cantante, Músico o comediógrafo”. En ese instante inmediato ala entrada de éste, con el escenario vacio resuelto solo con las ideas de los creativos realizadas por los técnicos y la sala se transforma en un agradable chaparrón de palmadas, estas no son mas que de agradecimiento a aquellos que tras bastidores han laborado en perfecta comunión para que el hecho artístico se suscite a la altura de las exigencias del publico. Es el momento para que el tramoyista, el iluminador el vestuarista y el realizador, entro otros, efectué su reverencia en silencio y apartado de las candilejas. De esta manera me lo hizo entender Vicente Nebrada y así se lo trasmití las veces que pude a aquellos que se iniciaban en ese mundo. Con respecto de las artes plásticas, por lo general la respuesta no se da de manera multitudinariamente simultanea, a no ser que se trate de algún reconocimiento o fin de discurso inaugural de la muestra, sin embargo siempre están los comentarios que el publico manifiesta entre si acerca de sus experiencias para con la obra. Otras son la crítica profesional “Hoy en día muy venida a menos” y el libro de visitas, a donde terminan los comentarios más elocuentes e inimaginables y no necesariamente en ocasiones los más felices para con el esfuerzo. Cuando me refiero a “inimaginables” por ejemplo en el libro de visita de una de las exposiciones que realicé el año pasado en una universidad de la ciudad un grupo de estudiantes tomo el mismo como soporte para plasmar sus denuncias particulares a la rectora del recinto y uno se puede preguntar ¿que tiene una cosa que ver con la otra?, pues si tiene que ver y mucho el arte no puede aislarse de la realidad que acontece a su entorno, si importa en la vida importa en el arte y por tanto el arte es parte de la vida. Luego todos los comentarios han de ser considerados siempre por igual, pues es la impresión de un público que se permite someterse al discurso mostrado y en definitiva es Él “el publico” para quien se trabaja, sin ellos nada somos.
¿Qué es lo más complicado de la labor cultural o artística?
-En todas las partes del mundo se ha hablado de que la ópera, el ballet y en ocasiones hasta el teatro mismo, entre otras manifestaciones artísticas, no se precisan como rentables y/o necesarias para el desenvolvimiento de la vida diaria de la sociedad por tanto los esfuerzos financieros destinados para ello siempre han sido cuestionados. Grandes capitales del mundo han intentado resolver este problema optimizando su captación de recurso (aportes de particulares, aparte de los del estado, intercambio comercial de productos y bienes de valor sentimental que el publico guarda como preciados recuerdos de su vista tanto al teatro como al museo) para emplearlos luego en una programación organizado a larga data con dos o tres y hasta mas años de anticipación, complementado la oferta de sus carteles y pendones al movimiento turístico de cada ciudad en particular.
En países como el nuestro en las ultimas tres décadas, las objeciones a los aportes financieros destinados para el arte se cuestionan con una férrea posición. Lo cual ha mermado significativamente los ingresos al ente que regenta esta disciplina. La programación en nuestro país por lo general es anual y en ocasiones hasta con menos tiempo, las fechas comprometidas para el desarrollo del hecho artístico no resultan cónsonas con la bajada de los recursos requeridos para su tratamiento, en ocasiones pareciera que se precisa mas importante la fecha de apertura, estreno o inauguración del evento que a su propio éxito, se trabaja casi siempre a la carrera, con el “eso es para mañana” sin olvidar la vulgar frase de bueno, bonito y barato, que empleadas por el vulgo guardan una relación de existencia entendibles y hasta en ocasiones plausibles, pero cuando salen de boca de un productor o promotor cultural como hemos convenido llamarles, resulta insultante ante los oídos de todo poeta, es decir, hacedor.
El arte puede ser definitivamente bueno o malo, pocas veces se emplea lo de bonito o feo, puede ser de igual manera barato o caro, todo dependerá siempre de la pericia e ingenio de sus protagonistas, no de las ambiciones y deseos de un alguien que ni con plastilina intenta manifestar sus emociones interiores. Hay que aterrizar las cosas, no se puede pretender hacer una Aida por ejemplo con un presupuesto para un concierto de cámara, o con el presupuesto de uno de esos tantos unitarios que hoy son tan frecuentes en las salas, montar un Hamlet. Lo bueno o malo del arte no se dictamina por su grandilocuencia, puesto que hemos sido conmovidos por discursos de una gallarda humildad en lo que a presupuestariamente se refiere, una línea firmemente descrita con todo el talento y honestidad de un artista tal, sobre la inmensidad de un blanquecino lienzo nos puede hacer reflexionar tanto como un cuadro del Bosco.
Lo importante es programar nuestras salas tanto de teatro como de galerías y museos de acuerdo a las necesidades de nuestro público atendiendo siempre sus exigencias y sus aspiraciones de formación y si el presupuesto no es el apropiado a lo requerido por el hecho artístico, no escatimar nunca la posibilidad de consecución de recursos adicionales. Por otra parte y muy desafortunadamente nuestra ciudad no es percibida como un destino turístico de la región, muy y a pesar de que en un radio menor a diez cuadras podemos encontrar siete museos importantes y actualmente se construye uno mas, sólo uno de ellos cobra por su ingreso, se puede encontrar además diez espacios destinados para el ejercicio teatral cuatro espacios adicionales para exposiciones. Sin embargo con ello no llamamos la atención de otros públicos, reservando la propuesta artística solo al público local, lo cual hace que nuestras temporadas sean tan cortas. La practica artística individual no se escapa a esas realidades a lo que habría que agregar lo cuesta arriba que resulta la difusión de la obra plástica, las galerías importantes no quieren aventurarse a mostrar mas que al grupo de artistas con los que tradicionalmente ha trabajado. Los museos del estado mantienen una programación mas hacia lo interno, es decir, a exhibir, lo que como patrimonio guardan, son pocas las exhibiciones de artistas individuales o en grupo que vemos cada año en la programación de los mismos. las salas de universidades y espacios no convencionales para la muestra son más abiertas y más receptivas a todo tipo de arte y artistas así como museos del interior de la republica, pero, no cuentan con recursos, estos deben ser financiados casi en su totalidad por el artista. He visto como agrupaciones comprometen su patrimonio personal para desarrollar una empresa teatral al igual que artistas individuales. Como Cézanne dijo inmortalizado por la pluma de Zola “Me siento como el que con sus espaldas se encuentra cuesta arriba subiendo una inmensa piedra y que a pesar de su cansancio y fatiga no puede dejar de seguir empujando de lo contrario la piedra rodaría estrepitosamente hacia abajo arrollándonos con todo su peso” pero lo que quiere decir Cézanne es que mas allá de toda adversidad no debemos entregarnos nunca, siempre se debe apostar al uno mismo sea en lo individual o en grupo.
¿A quién va dirigido su trabajo?
-Intento trabajar para todos mis semejantes, es decir, para el público en general sin ningún tipo de distinciones, aunque en las últimas muestras me he percatado que la obra llama mucho la atención de jóvenes y niños, lo cual me encanta.
¿Cómo describirías la temática de su obra?
-El móvil de mi investigación en la plástica definitivamente es el empleo del color y para ello no escatimo materiales, técnicas, temas y tendencias. La pincelada es un algo mas personal, es un aquello con lo cual es prácticamente imposible ir en contra, ella emerge del Ápeiron y hacia allá se dirigirá al final de mis días. La mía en lo particular es una pincelada que se acerca mas al expresionismo y consiente de ello no entablo conflictos con ella, pero cuando de color se trata uso todo lo que a mano tenga y entre ello mis ideas las cuales pueden ser de formas figurativas, abstractas o conceptuales, no me importa moverme entre ellas al contrario me siento cómodo y feliz en el desplazamiento a manera de dial entre las mismas de acuerdo a mis necesidades y deseos de cada momento en particular, pero por mucho que pueda distar el contenido descriptivo formal entre unas y otras el uso del color siempre aparece como tema central de la obra.
¿Cree que su obra llama más la atención del espectador por la técnica o por la imagen?
-Creo que por ambas, tanto como para reacciones a favor como para las no tan felices. Entiendo que en mi caso en particular técnica e imagen están consustanciadas, no creo poder interpretarlas por separado, la una se sigue de la otra y viceversa, aun cuando es absolutamente posible que otros lo entiendan e interpreten de manera diferente lo cual es definitivamente valido en el arte y en todo caso, ellos sabrán exponernos su punto de vista y así lo atenderemos.
¿Cuál es su ambición como artista o como productor?
-Más que una ambición lo veo como un deseo, me guastaría que la cosmovisión que concibo del mundo a través de mi obra, pudiera llegar a los rincones más remotos de mi país. Es por ello que aun persisto en enviar a los salones, que es como una puerta de entrada al maravilloso publico del interior y de allí poco a poco a las demás ciudades y pueblos de nuestro querido país.
¿Dónde quieres llegar?
-No me gusta ver al arte como una suerte de hito conector entre un punto de partida y un punto de llegada, y luego que, ¿Qué hacer? Prefiero plantearme proyectos tangibles y realizables y en el desarrollo de estos ir preparando el siguiente, para ir envejeciendo con ellos y junto a mis seres queridos.
¿Cuéntenos de su último trabajo?
-La ultima serie que he estado trabajando la denomine “Fusión” en donde el color sigue siendo el protagonista, es una idea que anduvo en mi cabeza por varios años y que desde principio de este la he estado desarrollando. Son unas obras bidimensionales de formato fragmentado y de distintas dimensiones realizadas con técnicas mixtas sobre tela en la que incorporo elementos de polímeros varios ya en desecho, como por ejemplo: maquinas de afeitar, yesqueros, bolígrafos entre otros que he estado recolectando desde hace tiempo y que los integro a la obra transfigurándolos y empleándolos a manera de elementos de composición para ampliar el discurso.
¿Qué proyecto sigue?
-Creo que para mi es hora de retornar al inicio, a lo primigenio, a los primeros pasos del hombre en su necesidad expresiva. Los avances científicos técnicos nos han brindado un caudal de herramientas inimaginables con los cuales las fronteras del arte definitivamente se han ensanchado, sin embargo sigo creyendo en esa emoción sensual que se produce por el sonido del recorrido del lápiz o carboncillo sobre el papel o el lienzo. Se puede estar en un vagón, en un banco de plaza, sobre la grama de un parque, frente a un objetivo sensible o imaginario que mientras estemos con papel y lápiz nunca nos sentiremos solos. Creo que emociones como estas no podrán pasar nunca al olvido. En tal sentido he estado planeando dedicar cierto tiempo de mis días al dibujo y que mejor pretexto para ello que a mi ciudad como tema, no estoy seguro de que pueda prescindir por completo del uso del color, lo intentare en todo caso ya le puesto nombre a esta empresa “Mi Ciudad En Tres Tonos” desde el blanco del formato pasando por todas las tonalidades de grises hasta el negro del material con opción a la aplicación de “UNO” cualquiera que fuere el color que me resulte necesario de la dialéctica Obra-Artista para su momento. Y con ello acercarme un tanto a la musicalidad cuasi stravinskiana de esta urbe.
¿Qué consejos darías a un artista novel con ganas de empezar?
-Primero que nada, que siempre estén atentos a los mensajes de su corazón, es decir, a sus emociones, no dejar pasar nada, el rasgo mas insignificante de todo devenir en la naturaleza puede ser motivo de grandes inspiraciones, el ser acucioso es una de las grandes bondades de un artista.
Que vean y sientan al trabajo invertido en su obra como un placer y como tal trabajaran más que lo esperado por otros para con él, todo artista trabaja más horas de las que invierte en descanso y esparcimiento.
Tratar de organizarse en grupo, no importa las diferencias ideológicas, el sexo, o de edades lo que importa es la consonancia entre los valores de los integrantes. Asistir al mayor número posible de exposiciones y demás manifestaciones artísticas y de allí generar discusiones sobre lo visto. Siempre es más fácil aprehenderse de los contenidos discursivos de artistas ya reconocidos cuando hacemos el recorrido dentro de la sala en compañía de otros y comentamos las impresiones, ya habrá tiempo de sobra para el disfrute en solitario de cualquiera de las expresiones del arte. Que nunca se inhiban de preguntar. Por lo que le es nuevo o que quizás no tienden, siempre habrán alguien feliz en ayudarnos con nuestras dudas.
¿A qué velocidad se mueve la cultura en el país?
-Responder esta pregunta sin efectuar comparaciones es difícil, sin embargo soy de la idea que reconozco y aplaudo todos los esfuerzos que se han venido haciendo en áreas como el folklore, la poesía y el ejercicio circense. Pero el hecho que atendamos manifestaciones que en el pasado estaban en el olvido a expensas de desatender otras no me parece una praxis correcta. Por ejemplo para el segundo quinquenio de la década de los ochentas se efectúan en la ciudad dos temporadas de opera con por lo menos tres títulos cada una y si a eso se suma los esfuerzos de entes particulares se puede decir que la oferta del género superaba a la decena en el año, hoy en día a duras penas no alcanzamos ni siquiera un tercio de esa cifra. El ballet no ha escapado de ese comportamiento, sin hablar de la cantidad de agrupaciones teatrales que han desaparecido. En tal sentido la frase del vulgo de desvestir un santo para vestir a otro alcanza un significado a mi manera de ver alarmante. Lo que pretendo decir, es que esta bien que avancemos y rescatemos manifestaciones como las que he mencionado, pero nunca perder los espacios ya logrados para el arte y la cultura. Luego en resumen la velocidad con que se mueve la cultura en nuestro país por no alargar el discurso es una situación a mejora.
¿Qué es lo que más daño le ha hecho a la cultura en el país?
-Lo verdaderamente maravilloso en el arte es que todos tenemos gustos distintos y por ende inclinaciones hacia ciertas manifestaciones especificas y no por ello obviamos o soslayamos a las demás, al contrario un pintor, por ejemplo sin el producto del esfuerzo de un músico o sin la agradable peña de un poeta, sin las maravillosas imágenes que le brinda la danza y el teatro o los valiosos aportes de la prosa o de la literatura científica, su discurso seguramente se comprimiría, con el peligro de caer en lo precario y así sucesivamente entre todas las disciplinas. Pero entre todos los daños que hemos podido mencionar en lo arriba descrito, el mas peligroso según entiendo que le pueda ocurrir a cualquieras de las aldeas del mundo imaginadas es el de la “Autocensura”, el de no atreverme a decir lo que debo por no herir susceptibilidades y menos si van en contra de la ideología positivista, es decir, status quo.
¿Por qué dicen que la cultura está en manos de unos pocos?
-Esto siempre ha sido un tema de importante discusión. Que se debe ir revirtiendo con tenacidad, si todos los artistas del país asumimos a la vez el rol que nos compete de promotores culturales y dirigimos esfuerzos en hacer llegar parte importante de nuestro saber, por ejemplo, a cinco niños o jóvenes, y así sucesivamente como una suerte de situación de contagio de seguro que pronto estaríamos hablando de un numero diferente de participantes en las decisiones importantes sobre el tema cultura en nuestro país.
¿Qué tan complicado es hacer actividad cultural o artística?
-Todas las regiones del mundo tienen sus complicaciones que atentan contra el quehacer artístico, en algunos la política en otros la ideología y en otros tantos las manifestaciones de la fe. Las complicaciones en nuestro país son afortunadamente de orden práctico, mas vinculado a lo operativo que a lo conceptual. Debemos aprender a ser más eficientes en la asignación, manejo y ejecución de todos los recursos y en la medida que sentimos cierto avance exigirnos más. Progreso y esperanza son términos antagónicos en el desarrollo cultural.
¿Cuál es el mayor reto de estar en el medio artístico o cultural?
-El de mantenerse integro. Lo único que debe doblarnos las rodillas ha de ser la posibilidad de la vanguardia, el de enriquecer la frontera para términos como Belleza, Diferencia y Humanidad y saber desenvolvernos cónsonos con la nueva realidad que ello, nos pueda brindar y exigir.
¿Por qué hay tan pocos patrocinadores culturales en el país?
-Por una parte por el tema país. Luego hay que reconocer que hace apenas quince años nuestro país era un paraíso fiscal, esta realidad ha cambiado de una manera radical, hay que dar tiempo a que se ajuste todo el sector productivo del país al nuevo tiempo y que junto a la oferta creativa estética se vaya desdibujando toda esa apatía.
¿Qué le cambiaría al Ministerio de Cultura?
-Términos como ministerio, ministro, asambleísta o magistrado se precisan necesarios en el modelo de estado platónico-hegeliano que se ha venido gestando desde la revolución norte americana y francesa pasando luego por todas las que así se han auto denominado a lo largo de todo el siglo XX. Pero este modelo de estado a pesar de sus esfuerzos ha fracasado en la posibilidad de brindarnos felicidad a todos. En tal sentido es muy poco lo que yo pueda decir con respecto a un ministerio o a otro. Pero si seguimos la categoría nietzscheana de “El Superhombre” o como la interpreta Vattimo el “Ultrahombre” como una posibilidad de salida de la actual civilización y si concordamos que este “Superhombre” o “Ultrahombre” ha de organizarse para satisfacer sus necesidades tanto de vida como de espíritu, entonces luego el modelo a su medida seria
¿Cuál? El “SUPERESTADO” el “ULTRAESTADO” El “METAESTADO” o “EL NO ESTADO” si nos inclinamos por lo ultimo que decir de los ministerios.
¿Qué le espera a la cultura en el país con el nuevo Ministro de Cultura?
-Los ministros van y vienen pero el movimiento cultural de cualquier aldea continúa siempre adelante. El resultado siempre estará más atado al producto del ingenio de sus poetas que al de sus regentes. Y en tal sentido a manera inversa a lo que en república diez acontece, en tanto que los poetas son expulsados de la ciudad, los poetas expulsarían a los malos políticos, por no mencionar otro término.
¿Cómo lee el futuro de la cultura en el país?
-Tengo plena confianza en la juventud, en esa masa de hombre y mujeres diletantes que aun sin culminar su pregrado o iniciándose en el ya nos están bombardeando con sus ansias de expresarse, ellos seguramente tiene reservas, objeciones y reclamos para con los de mi generación, pero mas allá de la necesidad de justificar mis desaciertos me gustaría acercarme a ellos y colaborar en lo posible a que sus sueños que de seguro alguno de los míos en letargo aun, concorde con los ellos, se cristalice.
¿Por qué cree que dicen que la cultura está en manos de unos pocos?
-Esto siempre ha sido un tema de importante discusión. Que se debe ir revirtiendo con tenacidad, si todos los artistas del país asumimos a la vez el rol que nos compete de promotores culturales y dirigimos esfuerzos en hacer llegar parte importante de nuestro saber, por ejemplo, a cinco niños o jóvenes, y así sucesivamente como una suerte de situación de contagio de seguro que pronto estaríamos hablando de un numero diferente de participantes en las decisiones importantes sobre el tema cultura en nuestro país.
¿Qué es lo que más daño le ha hecho a la cultura en el país?
-Términos como subdesarrollo, tercer mundo, han calado en nuestra autoestima durante nuestro proceso de formación temprana y luego el deslastrarnos de su acomplejada complejidad ha sido una labor significativa y vemos con nostalgia los aportes de nuestros héroes del siglo XIX. Un conocido político de nuestro país dijo una vez que le resultaba más económico enviar a Europa al público de ópera que producirla en el país. No se de donde pudo sacar tales números. Pero lo que realmente me indigna es pensar qué pasa con los creativos los realizadores con todas las ofertas de trabajo que un recinto como el de un teatro o museo proporciona a su ciudad, sin dejar a un lado la castración para el ejercicio de hermenéutica de cosmovisión factible a las utopías de nuestros ciudadanos así como la dialéctica entre hacedor-publico cuya conclusión no es otra que mas presencia pública del ejercicio de todos los pensares. No somos feos o bellos o bellas, no somos buenos o malos, somos venezolanos y como tales tenemos una visión particular de ver y entender el mundo y la manera de manifestar nuestra inquietud ante tal realidad, es nuestro aporte al mundo. Lo que más daño nos ha hecho aparte de todas las políticas culturales puestas en practica en los últimos cincuenta años, es creer, como se nos ha infundido que sufijos como el de “SUB” son propios de nuestra naturaleza y por tanto lo que hacemos en comparación a nuestros pares en el resto del mundo no requiere la misma atención en lo sicológico en lo político y en lo económico.
¿Cómo se transforma la noción de periodismo cultural o en su efecto su trabajo con las nuevas tecnologías?
-Con una verdadera dialéctica. No entendida claro en donde hay vencidos y vencedores sino una donde la conclusión está consustanciada de todas y cada una de las partes. El desarrollo de la técnica nos ha exigidos a seguir preparándonos continuamente para atender a nuestra realidad inmediata con nuevas herramientas. La arquitectura, la medicina, la ingeniería, los medios de información, sin importar el orden y por mencionar sólo algunos de los tantos que prueba de ello son. Difícilmente encontraremos a un artista hablando de cocina sin antes por lo menos haber hojeado una revista de recetas. De igual forma aspira el artista a ser atendido en su tratamiento cuando acerca de su trabajo se informe al colectivo.
¿Es una buena alternativa los medios digitales como medios de difusión?
-Definitivamente si lo es, hoy en día la herramienta mas empleada es la internet y si en ella hablamos sobre nuestro quehacer artístico nuestros alcances científicos, deportivos y técnicos, la motivación al aporte que cada uno hacemos a través de nuestro trabajo se intensifica sin fronteras.
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Por: Correo Cultural
