Seguimos el recuento…
Saluda al diablo de mi parte – Colombia (2011): En el film se utiliza el entretenimiento puro y duro del cine de acción, para tratar de hacernos comprender. Usa la adrenalina, el pulso agitado de cada escena para intentar mostrar, dar posibles indicios dentro de una realidad caótica, incongruente y absurda.Cada país en América Latina tiene su talón de Aquiles, Colombia tiene los suyos, el secuestro es uno de ellos. Incluso García Márquez (Noticia de un secuestro, 1996) ha hablado de un flagelo que conocen muy bien en aquellas tierras, porque lo han padecido de las peores formas posibles.En este film, los hermanos Orozco (guión de Carlos Esteban y dirección de Juan Felipe), utilizan a manos llenas todas las armas de las que disponen para lograr una cinta técnicamente perfecta, con un gran nivel en efectos especiales y balas. Sin embargo, lo que en películas de ese estilo falla o simplemente no lleva intención alguna (el guión, los personajes), en esta se fortalece. La cinta protagonizada por Edgar Ramírez, indirectamente, plantea que no hace falta matar del aburrimiento, ni caer en lugares comunes, para hacer lo que el arte es capaz: señalarnos un conflicto a través de una historia. El film funciona como una película de acción, con efectos especiales, disparos y sensacionalismo, pero como ya dije, no se encuentra despojada de fondo. La forma ayudara a plantearnos inquietudes, a digerir mejor lo que en el fondo se nos quiere contar, pero tantas balas no nos dejan sordos, al contrario, como en “Cuatro días de Septiembre” (Brasil, 1997), el mensaje es claro: si te manchas las manos de sangre, no procures convencerte de que limpiándotelas con las culpas ajenas seguirás estando impoluto.
El rumor de las piedras – Venezuela (2011) : El film de Alejandro Bellame Palacios (director de la también excelente película «El tinte de la fama) cumple, mas allá de la anécdota, de la historia, que precisamente no fui a buscar, a nadie le gusta recordar lo feo que ha visto o vivido y yo también soy de Vargas, también perdí mi casa y mis cosas hace algunos años atrás, tal como el personaje de Delia, pero corrí con mejor suerte que ella. La historia no es novedosa en esta Venezuela que nada parece cambiar con el paso de los años, sobre todo para alguna gente, mas jodida que otra (si me perdonan la expresión), así que en esta cinta no es lo que sucede lo que es novedad, es el como se cuenta lo que sucede y en eso su director parece experto. No creo que una película sea buena o mala porque hable de tal o cual tema, creo que una película “cumple” si logra influenciarte, hacerte pensar en ella, mientras la ves y luego, sobre todo mucho después de haberla visto. En El rumor, uno se asoma a la vida de la gente sin mas (o eso parece), te muestran de tal modo la existencia de los otros que te desconectas de la tuya, estas en el barrio, ves la muerte, la miseria, los encuadres no son pretenciosos ni exagerados, todo parece que fuera (en la realidad) tal cual se te muestra. Gran trabajo del director, grandes actuaciones, diálogos verosímiles, y la promesa de una actriz que ojalá podamos seguir conociendo.
Stromboli – Italia , Roberto Rossellini (1950): Casi del mismo modo que su personaje en Stromboli, Ingrid Bergman fue “apedreada” moralmente, por la sociedad Estadounidense cuando decidió divorciarse para establecer en una relación con Roberto Rossellini, el director italiano de este film de 1950. Bergman, casada con Peter Lindstrom, luego de ver una cinta de Rossellini se puso a las órdenes de éste último para filmar cualquier cosa… el tiempo diría que hicieron algo más que filmar juntos. En Stromboli, Karin, una refugiada lituana, para escapar de un campo de concentración, decide casarse con un pescador italiano con el que casi no puede comunicarse, no tiene nada en común y no le ofrece otra cosa que una vida en Stromboli, una isla decadente y miserable. Ella es diferente a las demás mujeres del lugar, las cuales lo perciben casi de inmediato, esto origina la intolerancia, segregación y “apedreo” moral sostenido, muy parecido al que sufrió Bergman tras el escandalo de su divorcio y posterior matrimonio con el director italiano, con quien rodaría otras películas mientras duro su relación. Circunscrita en el neorrealismo italiano, los detalles de la vida cotidiana en la isla: la pesca, las rutinas de las mujeres y sus maridos, la realidad dura y agreste del entorno, posibilitan que la cinta toque por momentos el documental, pues la duración de las escenas permiten percibir de forma mucho más verosímil lo que se nos cuenta.
Destino Oculto, The Adjustment Bureau – USA (2011):En Destino Oculto, Matt Damon intenta que su suerte no la decidan otros, intenta escapar de “los señores del destino” quienes controlan “el plan” de “el presidente” una forma de dios que decide cómo, cuándo y dónde en las vidas humanas. El film, basado en un cuento de ciencia ficción de Philip K. Dick, es una película de George Nolfi, también guionista de las cintas de Bourne. El “plan” para el joven congresista David Norris, no debe incluir a Elise (Emily Blunt), porque no esta “en su destino” estar juntos. De un modo algo arbitrario los “señores del destino” (asi los he llamado) intentan convencer y atemorizar a David para que renuncie a sus expectativas amorosas con Elise, nadie le dice porque, simplemente de un modo arbitrario se supone que no debe ser así. La película de Nolfi, un poco al estilo Matrix (salvando las grandes distancias con la obra maestra de los hermanos Wachowski) te muestra que el mundo es más o menos un lugar “controlado” por “alguien”, un ente mayor, que te pone “tu destino” simplemente para que lo sigas, pero los humanos pueden hacerlo diferente si siguen su “libre albedrío”, el cual, según se nos muestra, muchos –la mayoría- olvidan que tienen.Quizás el guión no consigue ser muy fuerte en un principio, le falte elementos de diálogo y escenas que te arrebaten por completo la atención, sin embargo la trama creo que ayuda mucho para que te quedes “pegado” pensando en un tema que, quizás sin tanta ciencia ficción de por medio sea muy “real”. ¿Eliges tu vida o alguien la eligió por ti? ¿Haces lo que quieres o vives como alguien te dijo? ¿De verdad crees que no puedes elegir, que existen manuales para todo? ¿Crees que hay “correcto” e “incorrecto”? ¿Quién establece eso: tú o el resto, tú o la sociedad a la que perteneces?Me gustó de Destino oculto, que se estrenará muy pronto en las salas de cine del país, la reflexión y la idea latente de que (digan lo que digan) siempre puedes elegir como vivir, la última palabra la tienes tú, la cuestión sería si quieres o no usar esa prerrogativa.
Reverón – Venezuela (2011): Envidie durante toda la película a ese Reverón que recrea Rísquez, pintor de Macuto, que vive para hacer lo que le gusta, esa imagen del hombre libre que no le da importancia a premios o ataduras sociales, ese que juega consigo mismo y que pierde la conciencia de la realidad, porque en el fondo lo que para el “es real” solo se relaciona con lo que vive en su cabeza. El director toma partido desde la primera escena, y desnuda el universo del “loco” de macuto sin miramientos ni pudor, mas con la benevolencia de quien comprende o quiere comprender. El Reverón que nos muestra Ríquez: sus manías, su forma de relacionarse con la pintura, su entorno, el silencio y su aislamiento esta justificado perfectamente en la cinta, le crees, te parece real, auténtico. La película tiene pocos diálogos, aunque si los necesarios, los propicios como para mostrar el pensamiento y el relato de la vida de este artista, al menos como el director la percibe, pero lo hace tan bien, que te convence, cuando lo ves no dudas, asientes. La puesta en escena es prácticamente impecable, los decorados, los paisajes y las actuaciones no tienen desperdicio (unos más que otros), quien encarna a Reverón, Luigi Sciamanna, sobresale con un tono y una forma de actuar que “nos vende” por completo al personaje, verosímil totalmente. Sin embargo, lo que más me llama la atención, lo que me conmovió, lo que sin duda me va a dejar toda la noche y mañana pensando, es precisamente el personaje mismo, este de la cinta, que no se si será Reverón «realmente». Un hombre libre capaz de vivir bajo su propia locura, con sus fantasmas, su pintura, sus manías y sus pasiones. Un hombre libre que estableció su propio orden, un lucido, un valiente. Te conmueve, te entusiasma, te enamora. Si estaba loco o no, es lo de menos, a fin de cuentas: ¿Qué es la sanidad mental…? ¿matarse ocho horas por día en algo que no te importa? Para eso si hay que estar loco…. pero ya se sabe que «en el sistema» hay que fingir cierta cordura. Aquí pensando… a fin de cuentas para eso es el cine.
Último cuerpo – Venezuela (2011) Carlos Daniel Malavé me cae bien. Debe ser un tipo divertido, un tipo con cojones, un tipo decididamente valiente. Uno se lo imagina cuando ve sus películas, no porque sean la gran obra de arte que esperamos descubrir en el cine nacional, o los films que iluminaran nuestra conciencia. Aunque quizás lo logren… para algunos espectadores o para el mismo… no lo sé. En mi caso lo pienso, porque siempre que veo una de sus cintas me digo: este es un tipo con agallas. Este es un tipo con garra, con ganas, con voluntad. Un tipo que dirige porque lo necesita y lo hace contra viento y marea. Último cuerpo, su más reciente film protagonizado por Wiliam Goite, Jean Paul Leroux -quien trabajó en sus otras películas-, Miguel Ferrari y Guillermo García, tiene un elemento en común con sus producciones anteriores: entretiene. Sin embargo puede percibirse un mayor trabajo y limpieza en los elementos técnicos y de puesta en escena. Basada en la vida de un periodista de sucesos de Maracaibo, “Último Cuerpo” juega a la novela negra ganando en la mayoría de veces la partida, entretiene, divierte, te hace pasar el rato. A mi me gustan los valientes. Los que se atreven, los lucidos que apuestan por hacer sencillamente lo que les da la gana. Te guste o no Carlos Daniel Malavé siento que el es uno de ellos. Por lo demás, bien por Wiliam Goite, quien me hizo pensar que las oportunidades tarde o temprano llegan.
Sin Limites – USA (2011) ¿A quien no le gustaría ser más inteligente? A mi si, creo que siempre he soñado con algo como lo que le ocurre al personaje de Bradley Cooper en Sin limites (2011), un escritor que no puede escribir, que se muere de hambre y que esta a punto de fracasar en lo que ha sido la meta de su vida, gracias al famoso “bloqueo” conocido por muchos que han probado las artes literarias. Para Eddie, las cosas serán diferentes cuando su ex cuñado le proporcione una píldora que lo ayudara a “ver” todo con mucha mayor nitidez.Escribir será poco, en comparación con lo que pretende lograr Eddie en esta cinta del mismo director de “El Ilusionista” Neil Burger. Una película confusa sobre el poder de la ambición y las “habilidades”, así sea alteradas, cuando van juntas.Robert De Niro hace un papel secundario donde se desperdicia, sin embargo… De Niro es De Niro… ¿Cómo seria poder acceder al 100 % de tu capacidad mental con algo de ayuda? Definitivamente si me ofrecen esa pastilla la tomo. ¿Lo mejor? Las ideas que subyacen de la trama, esas si les tocará descubrirlas a cada uno.
Chloe – USA (2009) No se si muchos son capaces de admitir que han sentido atracción por gente del mismo sexo. Particularmente, no tengo nada que admitir: nunca me han gustado las mujeres, pero quizás fue solo porque no conocí a Chloe. Antier noche cansada, vi este remake de Nathalie (2003) la cinta de Anne Fontaine y redescubrí, que a diferencia del cine francés, las películas hechas por la industria cinematográfica norteamericana, tienen una vitalidad, un color y unos “adornos” que deslumbran y te ayudan a “ponerte en situación” mucho más rápido. Claude Chabrol, por ejemplo, filmó muy bien su “Mujer Infiel”, pero la versión de Adriann Lyne “Infidelidad” cobra otras dimensiones, cuando se regodea en los detalles, cuando pone especial interés en destacar la emotividad lúdica de sus personajes y sus bajas pasiones. Liam Neeson hace uno de los papeles más sosos de su carrera como el esposo “embaucado”, y Amanda Seyfried seduce a la cámara, dando su mejor actuación, en esta película sobre el deseo en su estado más puro.
Lost in Translation – USA (2003) ¿Qué tienen en común una muchacha y un hombre de casi cincuenta? En la cinta escrita y dirigida por Sofia Coppola todo. Cuando vi “Lost in translation” yo también estaba un poco (en realidad bastante) perdida, seguro lo sigo estando, quizás esa sea una condición que nunca se abandona, no del todo. Bob Harris (Bill Murray) y Charlotte (Scarlett Johansson) se encuentran en Tokio por motivos diversos: el es un actor de éxito que viaja para filmar el comercial de un licor, y ella la recién estrenada esposa de un fotógrafo. Ambos no saben bien de que va la vida (el lo ha olvidado, ella no lo ha descubierto) y dentro de la extrañeza de esa ciudad «extraña», descubren un hilo invisible que los comunica entre sí y de ese modo con el mundo. La soledad y el sin sentido dentro de lo que se supone es nuestra vida “real”, la que hemos ¿elegido?, con toda esa gente «familiar» que -a veces- nos circunda sin conocernos en realidad, es lo que expone Sofia Coppola en esta su segunda película. Catalogar una cinta de obra de arte siempre es un lugar común, pero con esta película de Sofía Coppola caeré en los lugares comunes. La Frase: Cuánto más sabes quien eres y lo que quieres, menos te afectan las cosas.
Moneyball: Rompiendo las reglas – USA (2011) Es increíble el parecido entre Robert Redford y Brad Pitt sometimes, no en la forma de actuar, en el porte, esa cosa física que nos recuerda que quizás es verdad que todo el mundo tiene un doble. En The Natural (1984) Redford también juega béisbol como Brad Pitt en Moneyball (2011) y al ver al segundo no pude evitar recordar al primero, pero solo en lo físico: la sonrisa, los modos, no sé, estoy segura de que ellos lo saben, tienen mucho en común, como lo demostraron en ese duelo que hicieron en la película Spy Game (2001). Moneyball es sobre béisbol, pero no de un modo muy común y corriente, es una cinta casi para verdaderos eruditos en la materia (o gente no tan neófita como yo), puedo decir que no entendí nada, pero absolutamente nada de lo que hablaron. Sin embargo me gustó mucho, conecte con la esencia de la historia, que va mas allá del béisbol, pues al final el juego más importante es este de todos los días (si, suena cursi) la vida. Bennett Miller , el director de Capote (2005) nos trae un film un poco lento, un poco enredado y disperso, pero que termina funcionando, porque lo mejor de la cinta es precisamente sus silencios, sus reposos, sus dejarte ver de un modo nada obvio, lo que representa arriesgarse por lo que en realidad te gusta.
Canción mansa para un pueblo bravo – Venezuela (1976): Esa mirada de extrañamiento que tiene Gilberto (Orlando Urdaneta), es la que a estas alturas hemos perdido casi todos en las grandes ciudades, en Caracas, por ejemplo, que ya en 1976 eran una “calle luna, calle sol” como en la canción de Héctor Lavoe.“Hay veces que el querer trabajar no basta”, le dice su amigo Freddy (Tito Aponte) a Gilberto, quien se gana la vida robando, prostituyéndose y rebuscándose: “Mira carajito la plata es una cosa muy buena, aunque te cueste el culo” le advierte, lo que veremos a continuación es el “convencimiento” que le prodiga la ciudad a Gilberto de esa aseveración. El film dirigido por Giancarlo Carrer muestra a modo de comedia (es muy divertida), las vicisitudes de Gilberto, y un buen panorama de la Ciudad de Caracas (una visión de la ciudad de Caracas) en los setenta, muy convincente, ¿Por qué? Porque muestra con humor lo que es una cosa muy seria: la lucha por la sobrevivencia para las personas de clases menos afortunadas. No es un panfleto, no es un fastidio lacrimógeno que pretende “aleccionarnos”, es una película con un guión divertido por inteligente donde el elemento sorpresa siempre esta presente.Da la impresión de ser una película tesis: Canción Mansa Para un Pueblo Bravo, es una cinta bien filmada, sin balas ni groserías, con actuaciones donde destaca un pasmado y tímido Orlando Urdaneta, jovencísimo en su rol de Gilberto.
Black Swan – USA (2010): Darren Aronofsky (El Luchador, Réquiem por un sueño, La fuente) dirige esta película sobre arte y obsesiones humanas, la búsqueda de la perfección y la fragilidad del alma, los sentimientos y estados mentales que padeces cuando el deseo de obtener algo se apodera de ti. Si no te «mojas» no llegas lejos, si no te involucras no gozas, no obtienes nada mas que un acercamiento superficial, para algunos eso esta bien, porque si te entregas te puedes quemar. Sin embargo el placer de ese incendio no tiene comparación. Esta cinta no es sobre el ballet, el ballet es una excusa. En el arte –el gran tema del film- solo la pasión o la entrega absoluta son el camino para lograr la «perfección», aunque no olvidemos que la pasión siempre quema.
El origen del planeta de los simios – USA (2011) Los simios de Rise of the Planet of the Apes (2011) no asesinan, ellos solo se defienden, su violencia no es abusiva, premeditada, formulada por la idiotez o el odio sin sentido. Creo que adrede, en la película de Rupert Wyatt, los simios son “humanos” en contraposición a los hombres que nunca han sido civilizados como los animales, tal como escribió Walt Whitman.
Con una reflexión (siempre inherente a estas películas) sobre el trato humano hacia los animales, así como a sus pares y al planeta tierra, la película transcurre ante los ojos del espectador dejando una sensación de indignación que te ayuda a verlo sin pestañear. Este es la historia de lo que aconteció antes de que los humanos dejaran de poblar la tierra, tal como sucede en la cinta original.
